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Do you really whant to make animated movies?

Posted in cinema with tags , , , on 24 gennaio 2016 by realuca

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How movies manipulate emotions with color >> And why Teal and Orange

Posted in Cinema e Fotografia with tags , , , , on 14 ottobre 2015 by realuca

For review, complementary colors are:
Red and green;
Yellow and purple;
Blue and orange.

One of the rules we learn as painters is that color opposites cancel each other out when mixed. In other words, when we combine a pair of complementary colors on our palette, the original or parent colors lose their intensity or chroma. They mix into a black or brown.

When you study each of these chromatic scales, you can see how just a small amount of the complementary color starts to de-saturate the parent color; the intensity of the color or chroma immediately begins to decrease when its complement is added.

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The big change that digitization made was it made it much easier to apply a single color scheme to a bunch of different scenes at once. The more of a movie you can make look good with a single scheme, the less work you have to do. Also, as filmmakers are bringing many different film formats together in a single movie, applying a uniform color scheme helps tie them together.

One way to figure out what will look good is to figure out what the common denominator is in the majority of your scenes. And it turns out that actors are in most scenes. And actors are usually human. And humans are orange, at least sort of!

Most skin tones fall somewhere between pale peach and dark, dark brown, leaving them squarely in the orange segment of any color wheel. Blue and cyan are squarely on the opposite side of the wheel.

Unlike other pairs of complementary colors, fiery orange and cool blue are strongly associated with opposing concepts — fire and ice, earth and sky, land and sea, day and night, invested humanism vs. elegant indifference, good old fashioned explosions vs. futuristic science stuff. It’s a trope because it’s used on purpose, and it does something.

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Arri Alexa – Blackmagic Cinema Camera – Red Epic >> IR – Low Light – Overexposure Test

Posted in cinema with tags , , , , on 11 ottobre 2015 by realuca

No Bad Light for Street Photography / Remember Emotional Impact of colors / 4 Reasons Shooting at Sunrise and Sunset

Posted in Cinema e Fotografia with tags , , , , on 22 marzo 2015 by realuca

  • The key is to use light, any light, to your advantage
  • Nighttime photography
  • Silhouettes
  • Shooting into the bright sun
  • Strong shadows
  • Reflections
  • High contrast situations
  • Dappled light
  • Rainy days
  • Open shade for street portraits
  • Golden and blue hour

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  • Red = passion and romance or violence and anger
  • Yellow = joy and intelligence or criticism and fear
  • Blue = peace and harmony or fear and depression
  • Orange = confidence and energy or slowness and pain (fire)
  • Purple = royalty and religion or bruised and beaten
  • Green = growth and soothing or envy and greed
  • Black = strong and committed or evil and death
  • White = purity and goodness or cold and distant

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  • Avoid harsh contrast
  • Maintain tones within your camera’s dynamic range
  • Avoid the commonplace
  • Capture the sky at its most vibrant

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Lo scandalo dei video virali

Posted in Cinema e Fotografia with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , on 14 ottobre 2010 by realuca

La sceneggiatura non è una pratica da bottega figlia dell’ispirazione, bensì un processo standardizzato con proprie regole. Nel film di Spike Jonze “Adaptation” compare il mostro sacro Robert McKee, esilarante nelle sue lezioni, il quale, senza banalità o falsi ottimismi, spiega le difficoltà, i rischi, gli studi ed il severo controllo al quale bisogna sottomettersi per scrivere. Ispirandosi al suo libro “Story” non semplifica il pensiero anzi lo amplifica, lo apre a molteplici eventualità, indicando possibili strade e sventagliando un’infinità di tipologie di struttura, senza perdere di vista il principio imprescindibile affinché una sceneggiatura funzioni: il finale deve lasciare tutti a bocca aperta.

Come per un film queste riflessioni andrebbero fatte anche per la realizzazione di video brevi, di video virali, ma ovviamente puntando all’immediatezza che questo tipo di testo deve raggiungere: bisogna rendere il contenuto divertente o di utilità pratica (…) e ciò grazie all’ausilio di Dio, del sesso, della violenza, dell’amore, come della paura o della sorpresa, e tutte quelle emozioni ancestrali da stressare.
L’obiettivo è innestare un’idea all’interno delle menti tramite un semplicissimo meccanismo: portare alla coscienza una forte tensione quindi risolverla con una catarsi, al fine di radicare un meme prima inesistente; in questa forma di scrittura vengono spesso decontestualizzati paradigmi, rappresentate circostanze “irreali”, così da incuriosire l’attenzione, rendere fertile la mente.

SCANDALO E’ UNA PAROLA VIRALE?

Ad ogni modo avere controllo sulla struttura è un processo sicuramente più complesso. Per entrare nello specifico, e prendendo come riferimento Syd Field nel suo manuale “La sceneggiatura”, prima di iniziare a scrivere bisognerebbe saper rispondere ad una semplice domanda: qual’è il soggetto della sceneggiatura? e questo perché è necessario sintetizzare l’idea del personaggio in un’azione così da definire una linea guida da seguire: bisogna aver chiari il finale, l’inizio e due colpi di scena.

LA DRAMMATIZZAZIONE IMPLICA IL CONFLITTO – SENZA CONFLITTO NON C’E’ AZIONE – SENZA AZIONE NON C’E’ PERSONAGGIO – SENZA PERSONAGGIO NIENTE TRAMA

Personaggi, trama, azioni, dialoghi, scene, sequenze, fatti, avvenimenti sono tutti elementi che fanno parte di una traccia d’azione drammatica che si muove verso una risoluzione. Il romanzo ha come punto fermo la vita interiore del personaggio, con le emozioni e i ricordi che prendono il posto dell’azione; mentre gli scrittori scrivono seguendo l’idea della storia per scoprire i personaggi nel corso della stesura, lo sceneggiatore ha una linea di sviluppo orientata al personaggio e alla sua azione.

Il paradigma di un tavolo è un piano con 4 gambe, ma può essere un tavolo piccolo, di legno, marrone. Il paradigma è un modello, uno schema concettuale:  la sceneggiatura ha il primo atto (impostazione), secondo atto (confronto) e terzo atto (risoluzione) che evolve a seconda di un universo di elementi innestabili.
La fine del primo atto, dell’impostazione, nella quale si delineano personaggi ed azioni (vicende), coincide con un colpo di scena nella trama che dirige l’azione verso un’altra linea di sviluppo.
Il secondo atto, il confronto, nasce da quella situazione di tensione, da quell’episodio che stride in relazione allo sviluppo fino in quel momento della trama che obbliga i personaggi ad un confronto. Quest’atto va dal primo al secondo colpo di scena. Il personaggio in questo atto affronterà ostacoli e conflitti che andranno superati o risolti.
Se sappiamo cosa il personaggio vuole vincere, ottenere o realizzare (esigenze drammatiche), la nostra storia diventa quella di un personaggio che ha un obiettivo da raggiungere.

Quando si descrive un personaggio, la motivazione, il dialogo, la credibilità sono solo alcune parti che lo caratterizzano: si va veramente a segno quando si descrive e si mette in scena un “tipo”, un archetipo.
Dei personaggi bisogna “vivere” speranze, sogni, timori, il loro amore e il loro odio; il personaggio, come ogni essere umano, esiste in misura di ciò che fa, vive nelle sue azioni, e non in quello che dice di essere. Un personaggio è credibile in base alle sue esigenze drammatiche, punto di vista, cambiamento, atteggiamento.
Il punto di vista è una visione del mondo ben delineata che può e spesso si scontra con quella di altri fino a creare conflitto. Il cambiamento è fondamentale nello sviluppo della vicenda: il personaggio porta a termine le sue esigenze drammatiche nella prospettiva di mettere in discussione i propri valori, bisogni, desideri.

Scrivere con le immagini può sensibilizzare l’opinione?

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